本报讯 第28届上海国际电影节首次设立“AI片场”单元。它没有走征片、竞赛、评委打分的路径，也没有急着用“好不好看”给AI影像下结论。正如发起人黄建新导演所说：“以AI现在的发展阶段，远没到只看作品的时候”，更有价值的，是把创作过程拿出来，把问题摆在桌面上。

6月13日，AI影像创作者踏入上海国际电影节金爵盛典的红毯；6月14日至15日，上海影城西侧4层不到800平方米的空间，被搭成一个赛博感十足的微型AI创制生态展示现场。近千名嘉宾来到现场，逛生态、问问题、看创制、听沙龙。创制台前常常挤满观众，地方不够时，创作者就拿着笔记本坐在地上继续交流。首映式现场也排起长队，有记者感叹：“这种景象在电影行业活动中太久没见了。”

这两天，“AI片场”把算力底座、硬件设施、产业配套、创作团队和互动体验放在同一个现场。在创制体验区和互动体验区，AI片场官方指定用机——华硕电脑，带来了专为创作者而生的ProArt系列高性能创作硬件设备，全程护航创作现场，支持创作者的无限想象。

活动想回答的不是“AI能不能做出一部完美作品”，而是当AI真的进入片场，成为创作者每天要处理的对象时，电影的流程、岗位分工、美学判断会发生什么变化。

这也是“AI片场”反复强调的方向：开源、共享、共进。它更像一次面向未来的压力测试，把技术问题、产业问题和人的判断一起放到现场讨论。

破冰与组队：从“异地恋”

到“奔现”的融合创制

“AI片场”另一个特别之处，在于“影视创作者+AI超级创作者”的1+1融合机制。在43天公开征集中，活动收到来自7个国家和地区近500名影视创作者和AI超级创作者的报名。经过终选路演，Bicycle Kids、光锥、能工智人、三头怪4组团队入选。

这不是简单拼组。有嘉宾把它比喻成“大型异地恋奔现现场”：一个月前，影视创作者与AI超级创作者们还互不认识；他们要在短短两小时的“相亲”里，找到理念相近、能力互补的伙伴。

侯祖辛（导演/编剧）与德国AI创作者Mark Wachholz组成的Bicycle Kids团队，是跨文化协作的代表；黄雷（导演）与吴汉坤（演员/AI创作者）的“光锥”团队，摸索出“实拍转绘+AI生成”的混合路径；00后王泽与李鑫欣组成“能工智人”，挑战了一系列动画创制难题；专业编剧余曦与AI创作者李哲言组成“三头怪”，选择了更硬核的实验路径。

这种组队方式让影视经验和新技术发生碰撞。影视创作者带来影像语言、叙事经验和审美判断，AI创作者带来工具能力、生成方法和新的生产流程。一个月里，他们共同完成了从创意构思、流程搭建到成片落地的全链路AI影像实验。

6月14日“AI片场”首映式上，“能工智人”获得“视觉探索荣誉”，“Bicycle Kids”获得“产业探索荣誉”。奖项肯定了新锐力量，也记录下影视艺术与智能科技在这次实验中的相遇。

MiniMax HUB：从“更好的模型”到“完整的创作流程”

作为“AI片场”的联合发起方，MiniMax在现场发布全新创作工具MiniMax HUB。这不是一次普通的产品迭代，而是针对创作者真实工作痛点提出的流程工具。

MiniMax在与创作者沟通时发现，大家的痛点已经不只是“有没有更好的模型”。创作者常常要在图片、视频、声音、音乐、剪辑工具之间来回切换，时间耗在搬运素材和维护流程上。MiniMax多模态市场战略负责人何佳珊在首映式致辞中说：“过去，我们常常把生产力理解成设备、资金、团队和工业流程。今天，我们越来越清楚地看到，想象力本身，也正在成为生产力。”

MiniMax HUB以“对话即创作”为核心。创作者先告诉HUB想表达什么，Agent再拆解任务、组织素材、调用模型，并与本地文件和专业工具协同。复杂、重复的执行交给技术，方向、判断和最终表达仍由创作者决定。它不是多加一个按钮，而是把一段创作流程放进一个多模态Agent工作台。

本届“AI片场”中，4组团队也把MiniMax HUB作为核心生产工具。从剧本构思、角色设定、分镜生成，到AI视频成片、声音设计和后期调色，HUB贯穿了创作流程。

何佳珊在6月14日的MiniMax多模态全域革新发布会上进一步说明，技术真正带来的变化，是缩短“想到”与“做到”之间的距离。她强调，MiniMax不是替创作者作出选择，而是把更好的技术交到创作者手中，让大家更自由、更高效地完成表达。

工作坊实录：

过程，比答案更重要

活动期间，多场工作坊连续展开。创作一线、技术公司、法律和产业服务方轮番登台，4组融合创制团队也把一个月来的创制体验摊开来讲。从生成一张图需要怎样的岗位分工，到动画门槛如何迁移，从跨文化共创的惊喜，到超写实影像的产业前景，再到法律合规和政策支持，讨论最终都回到同一个问题：AI进入片场后，创作者的位置在哪里。

第一场工作坊题为“生图”到底需要多少人？监制团成员俞白眉导演直接指出，未来两年“不要用AI跟电影混淆”。他认为，当前AI在物理世界一致性上仍有明显短板，比如重力、道具和动作关系，但AI也有自己的美学价值。面对“生图”环节，“三头怪”团队编剧余曦说，一张AI生成图片背后，其实压缩了摄影、美术、灯光、服化道等部门的判断。AI超级创作者不是“全能者”，而是要理解并协调这些专业要素的人。

另一场工作坊聚焦动画，题目是“人人都可以做动画了吗？”“能工智人”团队的00后创作者王泽、李鑫欣与监制团成员张吃鱼导演谈到，AI确实简化了建模、材质、绑定、特效等传统三维动画流程，但新的门槛也出现了：提示词能力、审美翻译能力、算法理解能力，以及表达判断力。李鑫欣和王泽分享了五六十次风格测试，以及用黑白线稿控制AI随机性的做法。AI时代的动画门槛，正在从手上功夫转向脑中的判断。

Bicycle Kids团队的工作坊把讨论从流程带到共创关系。导演侯祖辛讲起她与德国AI创作者Mark Wachholz的合作：一张老照片、一段关于北京胡同的口述，最后变成Mark用AI生成的一张让她“起鸡皮疙瘩”的画面。Mark则提醒大家，AI不一定只是被完全控制的工具，也可以像摄影师、作曲家一样，成为带来意外结果的共创伙伴。

在“AI超写实创制发展到什么程度了”工作坊中，“光锥”团队讨论了真人表演的可信度。演员出身的AI创作者吴汉坤说，AI容易抹平表演里的“瑕疵”和“不完美”。团队因此采用真人表演拍摄素材，再用AI转绘；台词部分真人录制、部分AI生成，后期再混合；音乐则请专业作曲家尝试AI辅助创作。制片人任宁带来产业视角，她提到AI已在前期样片、后期特效降本、动画电影制作和国际合作中发挥作用，并判断一两年内观众可能在院线看到深度融合AIGC技术的电影作品。

除创作讨论外，“AI片场”也把基础规则摆上台面。君合律师事务所的《AI影视制作的法律避雷指南》工作坊通过中美判例提醒创作者：人类创作部分要留痕，AI工具本身要合法，合同条款要先行。

创业临港：

产业生态正在形成

上海临港作为AI片场产业合作伙伴，从终选路演开始一路帮助创制团队前行。在活动现场，临港聚焦产业配套，设立了产业咨询台，并举行了专场发布活动。从最高500万元拍摄补贴、80%算力补贴，到国际数据专线支持，临港希望以“拍上海，来临港；链世界，看东方”为目标，为AI数字文化企业落地和中国故事出海提供条件。临港新片区还在主会场展示IP形象大使α-Lin、文旅视听资源和数字文化“临十五条”政策，并提供招商咨询和对接服务。

“AI片场”活动，也开始带动各类资源向产业端落地转化。上海国际影视节中心副主任童颖在致辞中透露，已有多名创作者表达了在上海落户创业的意向、4组融合创制团队也在接触多个商业合作项目、部分创制短片的后续开发已经提上日程。这场实验已经开始产生产业成果。

个人开发者时代：

Solo Studio展示空间

上海国际电影节首次将AI影像个人开发者的vibe coding作品展示纳入官方活动。来自上海临港的韩李晨带来了图漫共创平台、KK不设限的广告创意Skill、山音的导演编剧工作流、吴张谦的ScenLab Agent、张辉的SparkScroll连环画系统，分别从接单协作、创意推导、剧本与导演方法、分镜预演、连续图像生成切入，展示了个人开发者从“会用工具”走向“把经验做成工具”的新路径。

学术观察：

AI时代，人类从未退场

如果说工作坊留下的是现场经验，学术观察团代表——中国传媒大学戏剧影视学院副院长孙斌，在首映式上发布的《AI影像融合创制行业观察报告》，则把这场实验做成了一次系统复盘。报告提炼总结了本次融合创制实验的十大观察成果。技术发展迅速，此时此刻的这些回答，未必能全面为业界解惑，但基于创制过程的沉淀，更具实战意义。

本次学术观察，中传团队全程驻场，记录4组团队一个月内的创意演变、版本迭代、分工协作和关键决策。报告先看创作者本身：AI无法替代人对镜头、叙事和观众感受的判断。当AI难以完成长镜头调度时，导演的价值反而体现在如何拆解、重组，并用剪辑重建临场感。监制们带来的题材标准、类型经验、观众视角和风险判断，也把AI提供的可能性校准为可完成的作品。报告因此提出，未来行业需要有主专业、懂AI流程、能跨学科协作的复合型创作者。

报告也进入创作流程内部。观察团指出，图像生成不是做一张好看的图片，而是在建立整部影片的核心资产，关系到人物稳定、场景可信和风格统一。提示词则是一种新的“中间文本”：它不替代剧本，而是把人物、情境、情绪转化成机器能理解的视听条件。报告由此提出“语言学转向”的判断：AI时代，图像没有压倒文字，准确、有表达力的文字仍是人机协作的枢纽。与此相关的是叙事控制机制的变化，传统分镜偏向前期预演，AI流程则形成“生成、剪辑、再生成”的动态校准。

报告也坦率写到技术局限。三维空间一致性仍是当前技术的短板，尤其在多人调度、复杂运动中容易出错，创作者必须理解模型边界。动画领域也出现了新门槛，创作者的竞争力从手头功夫转向脑内审美，提示词能力、审美翻译能力和表达判断力变得更重要。

学术观察团宣布，本次融合创制的重磅成果完整学术报告及4组团队使用MiniMax HUB创建的作品工程文件，将于6月下旬向社会全文公布、全程开源。

“My Story”：

技术让更多故事转化为影像

6月15日，“My Story”限时创作挑战把“AI片场”推向另一个高潮。丰子恺文化传承人丰羽、厦门大学人文与艺术高等研究院院长易中天和AI片场活动主办方代表公布命题。创作者们在6小时内，围绕丰子恺漫画精神内核、《庄子·逍遥游》、《庄子·秋水》和“光影皆故事”4个命题进行现场创作。创作结束后，主办方预留1小时邀请观众再次走上创制台，近距离感受创制过程。下午5点，这些作品即在现场展映。

My Story展示了一种可能，一个让很多人憧憬的美好未来，技术发展让更多故事有了影像化的可能；让更多记忆和情感，转化为可观看、可分享的直观影像。

AI片场：一切刚刚开始

活动会结束，创制台前的灯光也会熄灭。真正值得被记住的，不只是几支短片、几场工作坊和一次首映，而是电影人第一次如此集中地把AI带进创作现场，去试、去问、去争论，也去确认：新技术已经来到片场。

在这里，黄建新的“不神化、不害怕”、俞白眉的冷静判断、张吃鱼对新门槛的提醒、穆德远对影像审美的坚持，和4组创作者一个月里的磨合、试错、惊喜交织在一起。

因此，“AI片场”留下的不是一个标准答案，而是一条可以继续走下去的路：让工具更懂创作，让创作者更了解技术，让更多故事有机会抵达银幕，也让中国电影在新技术浪潮中更主动地掌握技术、制定标准、搭建生态。

上海国际电影节与MiniMax共同搭起的这个现场，只是第一帧。灯光亮起，片场开机，关于AI与电影的下一场创作，已经开始。（赵丽）